J’y suis allé – Xavier Héraud, journaliste et photographe

« Company », Londres: un chef d’œuvre d’un chef d’œuvre

C’est une version exceptionnelle de Company qui vient de s’ouvrir à Londres dans le West End. Cette comédie musicale de George Furth (livret) et Stephen Sondheim (lyrics et musique) s’est offerte un petit coup de jeune grâce à la géniale metteuse en scène britannique Marianne Elliott. Cette dernière, auréolée du succès d’Angels in America à Broadway, où elle a tenu le même rôle, a tenté un pari audacieux: changer le genre du personnage principal de l’œuvre. Bobby devient une femme et se se nomme désormais Bobbie. George Furth est décédé, mais Stephen Sondheim a assisté Marianne Elliott tout au long du processus de re-création. Pour Sondheim et Elliott, ce changement majeur devait être tout sauf un gadget: plusieurs chansons et plusieurs personnages ont donc été retravaillés.

L’histoire reste la même. Les ami.e.s de Bobbie (interprétée par la brillante Rosalie Craig) lui organisent un anniversaire surprise pour ses 35 ans. Eux sont en couple, elle est célibataire. Dans une série de saynètes qui la mettent en scène avec chacun des couples, Bobbie réfléchit à sa vie, à la vie amoureuse, à l’engagement… Dans la version de Marianne Elliott, l’un des couples est devenu un couple gay (celui de l’incroyable scène de Not getting married today, sans doute le moment le plus dingue de la comédie musicale) ; dans un autre la dynamique homme/femme a été inversée (l’homme est devenu un peu prude, sa femme est la business woman du couple).

Patti LuPone interprète Joanne

L’autre intérêt de cette version londonienne est indubitablement la présence de Patti LuPone dans le rôle de Joanne. Connue pour sa grande gueule et sa voix puissante, Patti est l’une des plus grandes stars vivantes de Broadway: elle y a créé le rôle d’Evita, et elle a brillé dans de nombreux classiques du genre comme Anything Goes, Sweeney Todd ou Gipsy. Elle y interprète l’une des chansons phare de Company: The Ladies who lunch, qu’elle avait déjà interprété brillamment lors du concert des 80 ans de Sondheim, devant l’interprète originale, la légendaire et regrettée Elaine Stritch.

Pour avoir une idée de la personnalité de Patti LuPone, lisez cette interview géniale parue dans le Guardian.

Sur les réseaux sociaux, nombre d’admirateurs de Sondheim estiment que la version « féminine » de Company ajoute une nouvelle dimension à l’œuvre. « Cela fonctionne mieux comme ça! », se serait exclamé le compositeur — que l’on surnomme sobrement « Dieu » à Broadway — en voyant les premiers essais. Pour autant que l’on puisse en juger, cette affirmation est rigoureusement exacte.

Photos: Brinkhoff/Moegenburg

Les Parapluies de Cherbourg au Châtelet

Ai assisté à une très belle production des Parapluies de Cherbourg début septembre au Châtelet. Michel Legrand lui-même à la baguette (très émouvante arrivée sur scène, avec un pardessus et un parapluie jaune), Natalie Dessay en Madame Emery… on a connu pire comme casting. Pas de mise en scène mais une « mise en espace » avec quelques dessins de Sempé pour simple décor, orchestre sur scène: c’est la musique qui était à l’honneur de ces « Parapluies ». Et quelle musique! En ce qui me concerne, le thème principal fait toujours mouche, que ce soit lors de la scène de la gare (photo ci-dessous) ou du finale. A part Vincent Niclo, dont l’interprétation était un peu trop « comédie musicale française », le cast était parfait. Parce que contrairement à Deneuve, elle chante le rôle, la jeune Marie Oppert (17 ans) a pu apporter une jolie touche d’émotion à son personnage. Regard en coulisse a trouvé que la Dessay en faisait un peu trop, moi j’ai adoré.

Pour un avis plus détaillé, je vous renvoie vers la critique de Christophe Martet, grand fan de Demy devant l’éternel, sur Yagg: «Les Parapluies de Cherbourg» s’ouvrent en beauté au Châtelet

J’ai pu prendre quelques photos, publiées ici: L’album photo des «Parapluies de Cherbourg» au Châtelet

ci-dessous, quelques images vidéo et une interview de Vincent Vittoz, le metteur en espace.

Into the woods, au Châtelet

Après A little night music, Sweeney Todd et Sunday in the Park with George, le Châtelet a présenté une nouvelle œuvre avec la musique de Sondheim: Into the woods. Avec Lee Blakeley à la mise en scène, David Charles Abell à la baguette et de nombreux comédiens déjà vus dans les précédentes productions (la palme à Nicholas Garrett, qui les a toutes faites), c’est un peu on prend les mêmes et on recommence. Mais après tout, quand ça fonctionne… Et ça fonctionne! Cette production est magnifique en tous points, à commencer les décors, superbement éclairés. A la tête du cast, la sorcière, incarnée par Beverly Klein, cabotine à merveille. Quelques voix ici ou là sont un peu trop lyriques pour la musique, mais rien de grave.

La partition n’est pas ma préférée de Sondheim, mais contient tout de même des joyaux comme No one is alone ou Children will listen, dont la reprise finale m’a donnée des frissons.

Sur les quatre Sondheim présentés au Chatelet, Into the Woods n’est pas loin d’être la meilleure production… Je reste toutefois très attaché à A little night music, qui, outre le spectacle en lui-même, fut spécial d’un point de vue personnel pour moi.

Tout le monde se demande quelle sera le prochain Sondheim présenté. Des bruits de couloirs évoquent Passion… Info ou intox?Réponse dans quelques mois.

I was looking at the ceiling (and then I saw the sky)

I was looking at the ceiling (and then I saw the sky), de John Adams (livret June Jordan), au Châtelet du 11 au 19 juin. L’œuvre évoque le tremblement de terre de 1994 en Californie. Sept personnages voient leur vie bouleversée par cet événement. Le titre vient d’un témoignage paru à l’époque dans un journal.

Étrange pièce que celle-ci: entre opéra et comédie musicale, musique contemporaine minimaliste et pop, avec parfois des accents rock ou gospel. Pas de dialogues ou (pas vraiment) de récitatifs, il s’agit d’une « songplay », une série de chansons. Parmi celles-là, je retiendrais la Song about the bad boys and the news (qui oscille entre gospel et blues), et la Dewain’s song of liberation and surprise, qui contient le passage le plus « connu » de l’œuvre, l’air I am the way.

Et comme nous sommes au Châtelet, on n’en a pas seulement plein les oreilles, mais aussi plein les yeux, avec des projections souvent magnifiques, encore qu’assez envahissantes… Cast excellent, Janinah Burnett (Leila, photo) et Hlengiwe Mkhwanazi (Consuelo) en tête…

Très bien, mais je reste avec mon Sondheim, merci.

ci-dessous, la vidéo Yagg

« Sunday in the Park With George » au Châtelet

Et de trois. Après A Little Night Music et Sweeney Todd, le Châtelet a présenté Sunday in the Park With George, de Stephen Sondheim (livret de James Lapine).

Lambert Wilson (qui en rêvait) avait d’abord été annoncé dans le rôle principal de cette comédie musicale consacrée au tableau de Georges Seurat, Dimanche après-midi sur l’ïle de la Grande Jatte. Il a finalement été remplacé par le jeune britannique Julian Ovenden. Ce dernier, qui avait la lourde tâche de marcher dans les pas de Mandy Patinkin, créateur du rôle, s’est parfaitement acquitté de sa tâche. Pour l’aider, là aussi, une production quasiment irréprochable. Décors numériques du plus bel effet, plateaux tournants donnant un peu de mouvement à l’ensemble, partition ré-orchestrée spécialement pour l’orchestre du Châtelet, etc. Nul doute que Sondheim et Lapine, qui ont assisté aux représentations, ont dû apprécier de voir leur œuvre ainsi mise en valeur. Lors de la représentation à laquelle j’ai assisté (la pré-générale), les voix se retrouvaient parfois un peu noyées par l’orchestration. Mais j’imagine que ce défaut a été corrigé par la suite.

C’est aussi la première fois que je voyais Sunday sur scène. J’avais déjà vu la captation DVD avec le cast original (Patinkin et Bernadette Peters dans les rôles principaux) et j’étais familier de la partition. Aucun mal donc pour rentrer dans l’œuvre (contrairement à certains amis, qui eux ne connaissaient pas du tout et ont eu plus de mal). J’avoue juste avoir trouvé un peu le temps long au cours du premier acte lorsque George, en plein processus créatif, se met dans la peau des personnages qu’il peint, et en particulier le chien. On a souvent reproché à le musique de Sondheim d’être trop cérébrale ; en l’occurrence, c’est plutôt un reproche que je ferais au livret de Lapine. Je suis d’accord en revanche avec ceux qui estiment que le premier acte se suffirait en lui-même. Mais je suis également d’accord avec ceux (souvent les mêmes) qui jugent que se priver du deuxième serait se priver de chansons comme Move on Children and Art ou – dans cette production – de ce moment sublime lors de la reprise de Sunday, où les personnages saluent leur créateur. En résumé, ce serait un beau gâchis.

L’année prochaine, le Châtelet présentera Into the Woods. Espérons que Company est également dans les tuyaux.

Ci-dessous quelques images de Yagg, ainsi qu’un extrait d’interview de Julian Ovenden par votre serviteur:

« Carousel » au Châtelet

La superbe production de The Sound of Music avait été unanimement saluée. Celle de Carousel, sans doute LE chef d’œuvre de Rodgers & Hammerstein (et sans aucun doute, la plus belle partition de Rodgers) était donc très attendue. Pas de déception. Comme d’habitude le Châtelet a mis les petits plats dans les grands. Décors, distribution, mise en scène, orchestre pléthorique (pour une production de comédie musicale): tout était d’un très haut niveau. Quel plaisir d’entendre des joyaux comme la Carousel Waltz, If I loved you, You’ll never walk alone ou When I marry Mister Snow dans un si bel écrin!

Finalement, mon seul problème avec Carousel est toujours le même: le livret. Et particulièrement le personnage principal féminin, Julie Jordan. On nous la présente tout d’abord comme une jeune fille espiègle (« you’re a queer one Julie Jordan »), mais elle devient rapidement une jeune femme battue, totalement inféodée à son bateleur de mari, Billy Bigelow et perd toute aspérité. Le plus gênant reste à mon sens les quelques phrases vers la fin de l’oeuvre, où Julie explique à sa fille que l’on peut recevoir un coup et ne rien ressentir, bien au contraire. Une belle excuse pour la violence domestique.

Pendant une interview qui n’a pas été diffusée, faute de temps, j’en ai parlé à la metteure en scène Jo Davies. Elle m’a confié avoir beaucoup réfléchi à cet aspect de Carousel. En tant que féministe il lui serait impossible de faire l’apologie de la violence domestique. Elle m’a rappelé que dans le livret, il n’est jamais fait mention que d’un seul coup. Et elle préfère voir dans l’attitude de Julie l’expression d’un amour, certes un peu aveugle, mais d’un amour malgré tout, qui pardonne toutes les erreurs de son mari, qu’elle sait complètement perdu. J’ai entendu cette explication, mais je crois que cette scène entre Julie et sa fille me gâchera toujours une partie du plaisir que j’éprouve à voir Carousel.

Ci-dessous, quelques images de Yagg:

http://www.youtube.com/watch?v=zjxkt4EOWRM.

Follies à Toulon: « I’m so glad I came »

New-York has neon, Berlin has bars, mais… Toulon a eu Follies pendant trois jours. Trois jours et autant de représentations de la comédie musicale de Stephen Sondheim et James Goldman (livret). C’est l’Opéra de Toulon, en co-production avec l’Opéra de Metz (où l’œuvre devrait être jouée en 2014), qui est à l’origine de cette création française. Des moyens semblaient avoir été mis, la distribution était alléchante, tout concourrait à faire de ce Follies un petit événement.

C’est la première fois que je vois l’œuvre mise en scène. Jusqu’ici, je n’avais assisté qu’à une – mémorable – version concert à Londres (Lire Follies in concert). Sensation bizarre de « découvrir » un spectacle qu’on connaît déjà quasiment par cœur.

J’ai assisté à la deuxième représentation, celle de samedi et globalement c’est une réussite.

Du côté du casting, Graham Bickley, Liz Robertson (que j’avais vue dans ce rôle à Londres) et Charlotte Page ont été d’excellents Ben, Phyllis et Sally. Jérôme Pradon a été un poil en dessous, avec un accent anglais qui – bien qu’irréprochable – semblait un peu forcé et une voix moins puissante que celle des autres. Ceci mis à part, le talent et l’énergie habituels de notre Pradon national s’accordait parfaitement avec le rôle de Buddy.

Denis d’Arcangelo s’est glissé sans problème dans le (petit) rôle de Solange Lafitte, qui lui va comme un gant (Laurent de Paris Broadway estime qu’un homme dans ce rôle-là est un contresens. Sur le fond il n’a pas tort). Nicole Croisille a semblé également particulièrement à son aise dans le rôle de Carlotta Campion, avec un accent anglais parfait et un look très Line Renaud période ‘Paris-Line’. Dommage qu’elle ait oublié les paroles à deux reprises lors de SA chanson, I’m still here, qui sans cela était plutôt réussie.

Quelques idées de mise en scène sont à saluer, comme l’avant scène, qui permettait de rapprocher les comédiens du public ou l’utilisation de la vidéo sur Who’s that woman.

La partition, de l’avis général, a été honorée par l’orchestre de l’Opéra de Toulon. Je n’ai pas été convaincu en revanche par le décor de la section Loveland, qui semblait en décalage avec son sujet et l’époque qu’il est censé illustrer. Tout le monde n’a sans doute pas les moyens du Châtelet…

Quant à l’œuvre elle-même… il est toujours intéressant de voir comme la musique de Sondheim apporte un peu de légèreté et de profondeur au livret très sombre de James Goldman. Les couples Ben-Phyllis et Sally-Buddy semblent bien mal en point et le mini happy -tout est relatif – end ne suffit pas vraiment à rassurer quant à leur avenir.

Mes moments préférés: Too many mornings (photo), bien sûr, le très frais You’re gonna love tomorrow / Love will see us through ou encore One more kiss, qui jusqu’ici ne m’avait pas vraiment touché – la version toulonnaise était de toute beauté. Je pourrais allonger la liste et y mettre quasiment toute la partition. Quel bonheur de découvrir enfin ce spectacle en France, avec cette qualité-là! « I’m so glad I came », lance Sally lorsqu’elle arrive à cette réunion d’anciennes showgirls. Elle n’était pas la seule.

Photo Toulon.fr

PS: Celles et ceux qui n’ont pas pu se rendre à Toulon pourront en tout état de cause se rattraper à Metz en 2014 et il se murmurait même qu’un DVD serait édité…

« What was just a world is a star… », West Side Story (de nouveau) au Châtelet

Cinq après son dernier passage, West Side Story est de retour au Châtelet. La mise en scène est la même qu’en 2007, le cast est bien évidemment différent. S’il y a deux ou trois petites choses qui m’ont gêné, comme la voix de l’actrice qui jouait Maria, trop « opératique », ou l’orchestre pas toujours au top, la magie opère toujours. La rencontre Tony-Maria, Tonight (d’où provient le vers cité dans mon titre) ou A Boy Like That / I have a love et bien sûr Somewhere me procurent toujours autant de frissons. Et la reprise de Tonight en quintet est une preuve chaque fois renouvelée de la beauté du théâtre musical.

Allez voir Show Boat au Châtelet!

Si vous avez le temps et/ou les moyens, foncez voir Show Boat au Châtelet. Une œuvre essentielle pour tout amateur de comédie musicale qui se respecte…

Vous pouvez lire ma critique ici: “Show Boat”: une oeuvre de légende au Châtelet

Et pour vous donner un avant-goût, l’un de mes numéros préférés, Can’t help lovin’ dat man:

Hairspray à Londres

Vu Hairspray à Londres ce week-end. Très belle production, très efficace. L’œuvre commence à être connue: rien de révolutionnaire, mais des chansons entraînantes, des blagues en veux-tu en voilà (qui ne tombent jamais dans la vulgarité, contrairement à une partie du public, dont les rires mettaient parfois mal à l’aise), des décors au kitsch assumé, un cast pas mal du tout pour une fin d’exploitation (ça s’arrête fin mars): largement de quoi passer un bon moment.

L’une de mes répliques favorites est prononcée par la productrice WASP Velma von Tussle, lorsqu’elle voit sa fille en prison avec Tracy Turnblad et tout le cast du « Negro day »:

« Amber, what are you doing in here with all these… minorities? »

Jolie performance du comédien qui interprète Edna, Phil Jupitus, qui ne fait que souligner encore un peu plus l’absurdité du choix de Travolta pour l’adaptation au cinéma. Bref, je devrais aller faire un tour du côté du West End plus souvent.

La dernière conférence de presse de Vivien Leigh

La-Derniere-Conference-De-Presse-De-Vivien-Leigh_theatre_fiche_spectacle_une

Ai assisté à l’une des premières représentations de La dernière conférence de presse de Vivien Leigh. On ne pense pas forcément à Caroline Silhol quand on pense à Vivien Leigh, mais la comédienne, seule en scène, s’en tire plutôt bien. Le dispositif scénique est simple: deux fauteuils, une table, et dans le fond, une immense affiche d’Autant en emporte le vent. Le texte, sans être exceptionnel, est assez réussi, même si le titre faisant référence à une conférence de presse est un peu trompeur. La conférence de presse en question est très peu évoquée et ne sert que de prétexte à un long monologue sur la vie de Vivien Leigh, ses rôles dans Autant en emporte le vent ou Un tramway nommé désir, sa vie avec l’acteur anglais Laurence Olivier ou sa maladie (elle était bipolaire). La pièce se termine sur le déclin de l’actrice et c’est le moment où Caroline Silhol se montre le plus émouvante, à tel point que lorsqu’elle revient saluer, les larmes coulent encore sur son visage. Un beau moment de théâtre.

Sur le site de la Comédie des champs élysées.

La grande fête du théâtre musical

La grande fête du theâtre musical sur Yagg
envoyé par yaggvideo – Clip, interview et concert.

(post publié avec un peu de retard à cause des soucis avec ma banque, qui considère typepad comme de vulgaires fraudeurs)

Sympathique soirée que cette "Grande Fête du Théâtre Musical". Voici quelques observations:

Madame Raymonde est toujours aussi drôle, mais elle ne sait pas
s'arrêter. Gaby Montbreuse aurait gagné à être citée deux ou trois fois
de moins. Ceci dit, le coup de la fondation, info ou gag?
Jérôme Pradon devait être fier de son nouveau manteau long en cuir. Il l'a gardé à chaque performance. Il n'est pas censé faire chaud sous les projecteurs?
Laurent Ban torse nu… Who cares?? Surtout quand on a Mathieu Boldron ou Thierry Picaut sur scène (pour un extrait de All that jazz, de Bob Fosse). Jolie performance au passage, même si Thierry P. a été gêné par son micro. En revanche, je ne me suis toujours pas remis des mouvements de bassin de Mathieu B.
Olivier Ruidavet est un excellent présentateur. Plus folle, tu meurs direct.
Je n'avais vu Isabelle Ferron que dans Un violon sur le toit, où elle interprétait (fort bien) Golde, la femme de Tevye. Et j'ai découvert un solide talent comique, grâce à son interprétation de Poil, extrait de Chienne (!).
Isabelle et Franck Vincent ont justement repris Do you love me?, l'un des très beaux passages du Violon.
Liliane Montevecchi, absente, avait enregistré un (très long) message vidéo. Où elle chantait a capella Folies Bergères et Ne me quitte pas. Aïe aïe aïe les oreilles.
J'adore la voix d'Annick Cisaruk. La chanson qu'elle interprétait (extraite de Camille C.) un peu moins.

Toutes les vidéos (moins On Broadway… bizarre) sont dispo sur le site de divamusic.fr

L’Opéra de Sarah – Avant l’Amérique

En voilà un spectacle qu'il est bien. Jérôme Pradon, seul sur la scène du Théâtre de l'Oeuvre, évoque pendant plus d'1h30 la vie de Sarah Bernhardt, en interprétant l'actrice légendaire et toute une galerie de personnages (de sa mère à Napoléon III en passant par Alexandre Dumas ou sa nounou). Le texte et la mise en musique sont signés d'Alain Marcel. Cette première partie de l'Opéra de Sarah, intitulée Avant l'Amérique, est passionnante de bout en bout, tour à tour drôle, épique, émouvante. Les chansons, parfois de simples comptines (à l'image du très beau Fleur de lait, au début), se mélangent tout naturellement au texte. On en reste quasiment sans voix, à se demander non pas pourquoi ce spectacle est aussi bon, mais pourquoi le reste est souvent aussi mauvais.

Vivement la deuxième partie.

Une étoile et moi

Mieux vaut tard que jamais. Six ans après sa création, j'ai enfin assisté à l'hommage d'Isabelle Georges à Judy Garland, intitulé Une étoile et moi (Judy and me, en anglais). Avec l'aide de Frederik Steenbrink, Isabelle déroule la vie de Frances Gumm, alias Judy Garland, en émaillant le parcours de chansons. C'est simple, touchant, émouvant. Une grande réussite, susceptible de plaire même aux non-initiés.

A tel point, d'ailleurs, qu'on aurait préféré voir Isabelle Georges sur scène à l'Olympia, le soir où Rufus Wainwright est venu défendre son projet Carnegie Hall (tout en étant malade), ne serait-ce que pour la Trolley Song.

Vous pouvez lire l'interview d'Isabelle sur Yagg (réalisée par mes soins). Et/ou vous précipiter à la Péniche-Opéra, près de Stalingrad. C'est jusqu'à la fin de l'année.

Fame, le musical

On avait laissé Fame et son horripilante chanson titre aux boums de 3ème. La boutonneux qui sommeille en nous n’étant jamais très loin, certaines personnes ont décidé de ressortir la chose du placard et d’en faire une comédie musicale sur scène. Ainsi, Fame – The Musical vit le jour en 1988. Puisqu’un bonheur n’arrive jamais seul, même 20 ans après, une adaptation française est actuellement à l’affiche au Théâtre Comedia, boulevard de Strasbourg.

Les mots nous manquent pour dire à quel point cette œuvre est médiocre. Livret qui enfile les clichés comme d’autres les perles, musique indigente, lyrics confondants de naïveté – ou vulgaires. On s’attend à retrouver la fièvre d’une école artistique new yorkaise du début des années 80 et on se retrouve avec la Star Ac mâtinée de Seconde B. Autant dire qu’on trouve le temps long.

Seule la sympathique troupe parvient à sauver la soirée du naufrage ("je retiens plus l’eau que le Titanic", dit justement une élève avec des problèmes de poids). Les danseurs et danseuses déploient une belle énergie, à l’image de Jean-Michel Vaubien, alias Tyrone, le rebelle dyslexique de la classe ou du magnifique danseur Sylvain Rigault. Seule erreur de casting, le rôle féminin principal : la jeune latino Carmen Diaz est interprétée par une jeune fille non-latino qui ne parvient pas insuffler le souffle nécessaire à la chanson titre (que l’on entend qu’une trentaine de secondes), cassant ainsi une bonne partie du rythme de la scène – l’une des plus réussies du show pourtant.

Jolie performance en revanche d’Annick Cisaruk, qui incarne la directrice, et en profite au passage pour administrer une leçon de chant aux forces en présence. Les autres font ce qu’ils peuvent avec le matériel qu’ils doivent interpréter, c’est à dire pas grand chose… La mise en scène et les chorégraphies, sans être révolutionnaires, permettent au moins de ne pas s’endormir. Ce qui en l’état est déjà beaucoup.