Xavier Héraud, journaliste et photographe

Sunday in the park with George

Sunday in the park with George est une comédie musicale de Stephen Sondheim (musique, paroles) et James Lapine (livret, direction). Créée en 1984, elle fait suite au désastre financier de Merrily, we roll along. Dans les rôles principaux, Mandy Patinkin et Bernadette Peters. Le «George» du titre, c’est Georges Seurat, le peintre pointilliste. Le «Sunday», c’est Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte, le chef d’œuvre de Seurat. Le musical est en deux actes. Le premier montre Seurat le dimanche sur l’île de la Grande Jatte en train de concevoir son futur tableau. On y voit également Dot, modèle et maîtresse de Seurat, incarnée par Bernadette Peters. Dot aimerait que George la laisse rentrer dans sa vie, mais celui-ci n’est préoccupé que par son art. Dot le quitte pour un boulanger et gagne les Etats-Unis, alors qu’elle vient juste d’accoucher de l’enfant du peintre. Le deuxième acte met en scène un autre George, arrière petit-fils de Seurat et Dot, et artiste névrosé. C’est finalement son voyage-pélerinage sur l’île de la Grande Jatte, ainsi qu’une apparition de Dot, qui lui permettront de dépasser ses blocages dans sa vie artistique et personnelle. Dans les rôles principaux, Mandy Patinkin et Bernadette Peters sont tout simplement rayonnants. J’avais de grosses réserves à propos de Patinkin après avoir écouté le CD, à cause de sa voix. Le fait de le voir à l’écran efface toute impression désagréable, si ce n’est lors d’une très agaçante chanson où il imite des chiens. Pour lui, Sondheim a créé une partition qui évoque justement, dans le chant, le pointillisme. Patinkin est quoi qu’il en soit lumineux, tout particulièrement pendant le tour de force de Putting it together, dans le 2ème acte. Bernadette Peters est au sommet de son art, tant pour son jeu d’actrice que pour son chant. Egalement dans le deuxième acte, Sondheim lui a confié le très poignant Children and art. Peters, incarnant la fille de Dot, alors dans sa 98ème année, explique à son petit-fils quelle genre de femme était Dot. Les deux actes sont assez déséquilibrés. Le premier expose une partition complexe, aride, même parfois. Le second, plus court, privilégie l’émotion ; les chansons y sont plus abordables. Le tout forme en tout cas une comédie musicale exceptionnelle. Lapine et Sondheim sont à l’origine en 1992, d’une autre comédie musicale «à costumes», Into The Woods, également avec Bernadette Peters.

Children and art, ci-dessous, par Bernadette Peters (avec Mandy Patinkin)

«That insane bitch» ou crêpage de chignon entre divas

«That insane bitch». C’est le nom d’oiseau donné à Renata Scotto (photo) par Ethel Merman lors d’une soirée de gala de 1980. L’histoire : lors d’un gala d’adieu de la diva Berverly Sills, les loges sont bondées. Ethel Merman, l’incarnation même de la diva Broadway, doit partager la sienne avec la diva classique Renatta Scotto. 15 minutes avant le lever de rideau, Merman surgit de la loge en soutien-gorge, pantalon, perruque et bijoux et hurle un retentissant «Jesus Christ !». Quand on lui demande ce qui ne va pas, elle crie en retour : «Somebody tell that insane bitch in there to shut up with
the goddamn vocalizing! For two hours she’s been at it, and she’s driving
me fucking crazy!» Quelqu’un se rend alors à la loge et trouve Renata Scotto en train de répéter la prononciation de la phrase «Somewhere over the rainbow». Ce qui fait dire à Merman, toujours très remontée : «Tell that bitch that if she can’t sing the fucking song
by now, she’ll never get it!». Finalement, «that bitch» parvient à chanter la chanson et même plutôt bien, comme vous pourrez en juger.

Via Parterre.com (et via mon ami pointilliste, qui m’a transmis le lien vers toute l’histoire)

Patti est de retour

Patti LuPone donne de ses nouvelles sur son site, via ses très drôles Ramblings. Elle évoque les répétitions du Sweeney Todd de Stephen Sondheim, qui doit ouvrir très prochainement sur Broadway. Elle y incarne le rôle principal féminin, celui de Ms Lovett, qui fait «les plus mauvaises tartes de Londres» ~~(car composées de chair humaine)~~, un rôle créé en 1979 par Angela Lansbury. Dans la mise en scène de John Doyle, chaque acteur doit jouer d’un instrument. Patti a hérité d’un tuba et de «orchestra bells». N’hésitez pas à lire ses précédents Ramblings, c’est souvent assez marrant, comme lorsqu’elle raconte s’être retrouvée dans le même hôtel que Snoop Dogg, qui avait fait venir 40 péripatéticiennes pour distraire son staff…(«It seems every hotel I stay in they check me into the Sex Wing.»)

Sweeney Todd sur Broadway.com

West Side Story, le film

Dieu sait pourquoi, je n’étais jamais parvenu à voir West Side Story en entier. À chaque fois, j’avais été interrompu en cours de visionnage et je n’avais pas repris. Cette fois-ci fut la bonne. Je ne vais pas en faire des tonnes sur le fait que c’est un bon film. Tout le monde le sait et d’autres l’ont sans doute très bien argumenté ailleurs pour que je n’aie guère besoin de rajouter ma petite appréciation. Quoméi que l’on puisse penser de cette adaptation filmée de la codie musicale créée par Jerome Robbins, Arthur Laurents, Leonard Bernstein et Stephen Sondheim, elle montre parfaitement pourquoi une adaptation comme celle de Gypsy est ratée. Dans une transposition à l’écran, on ne peut pas se contenter de filmer platement les scènes du musical original. Dans West side story, il y a des tonnes de trouvailles visuelles : le générique, la scène de bal, les mises en scènes des chorégraphies. On peut contester les choix esthétiques de Robert Wise (décédé récemment) et Jerome Robbins, qui dirigeaient le film, mais au moins ils ont fait des choix, ils ont tenté des choses. Le réalisateur de Gypsy, lui, n’a fait qu’illustrer paresseusement. Ni dans l’un ni dans l’autre, en revanche, je ne suis fan de Natalie Wood. Question de convenance personnelle, sans doute.

West Side Story

Androgyny, le retour

Cette fois-ci, Androgyny est vraiment de retour. Ce sera le 25 novembre au Pulp. Je ne suis plus dans l’organisation, ni aux platines, mais je serai quand même présent. Enfin une androgyny où je n’aurais plus à stresser à cause de tel ou tel problème technique ou parce qu’il est encore tôt et qu’il n’y a pas encore assez de monde. Vous pouvez suivre toutes les infos concernant la soirée sur ce nouveau blog : http://androparty.blogspot.com. Si vous voulez recevoir les infos via la newsletter, envoyez un mail à androgyny.party@free.fr… Ne ratez pas surtout le verso de ce flyer que Cécile mettra sans doute bientôt en ligne. L’esprit est très "demain j’enlève le bas"… Pour mémoire, Androgyny est une soirée pop-rock-électro gay, lesbienne et affiliés, créée en 2003.

Lesbiennes et folk music

Alors que je devais rédiger un petit papier pour Têtu sur les lesbiennes et la folk, je suis tombé sur ce texte d’Amy Ray (à gauche sur la photo), des Indigo Girls, qui résume admirablement bien la problématique. Le texte en question, qui date de 2002, est en fait une réponse à un article publié par le New York Times, article dans lequel Amy était interviewée. «On nous avait dit que le journaliste voulait faire un papier sur l’importance des femmes dans la musique folk. Quand il est arrivé il nous a fait part de sa profonde découverte : la musique folk est la voix de la communauté lesbienne. Il voulait savoir pourquoi.», raconte la musicienne. Au final, l’article se révélera être un tissus d’âneries homophobes sur ces lesbiennes qui gâchent tout en ne vendant pas un disque et qui se servent de la musique pour parler de leurs problèmes inintéressants. Première chose, rappelle Amy Ray, il y a sans doute plus de lesbiennes impliquées dans des groupes punk que dans la folk (cf. le mouvement des Riot Grrrls et ses suites). Ensuite, pour ce qui est de la médiocrité, elle renvoie la balle vers l’industrie musicale qui segmente les marchés à n’en plus finir pour vendre Nickelback et la Budweiser aux mecs d’un côté et Britney et Clearasil, de l’autre. Et dans cette segmentation, les homos n’ont pas leurs place. S’en suit beaucoup d’autres arguments qu’il serait fastidieux de retranscrire ici, donc je vous laisse lire par vous-même (ou pas).

Site officiel
Site français (une mise à jour ! une mise à jour !)
Closer to fine, sur ma radio.blog

Merrily we roll along

Merrily we roll along est l’un des plus gros flops de la carrière de Stephen Sondheim. Le musical n’a tenu que le temps de 16 représentations. On dit que le compositeur, dévasté par cet échec alors que ses précédentes œuvres avaient reçu un très large succès d’estime et avaient été d’honnêtes succès commerciaux (à l’exception de Follies, mais c’était à cause du coût très élevé de production de la pièce), a pensé très sérieusement à changer de métier. Les raisons de l’échec de Merrily we roll along sont documentées : cast jeune et inexpérimenté, décor pourri, costumes cheap, mise en scène ratée. Dommage, car sur le papier le musical était intéressant. Il s’agit de l’histoire de trois amis d’enfance, deux hommes et une femme, qui se sont progressivement éloignés les uns des autres quand l’un d’entre eux, Frank est devenu un compositeur de musique de film à succès. Tout l’intérêt de cette histoire a priori banale est qu’elle se déroule à rebours. L’action commence en 1980 et remonte progressivement jusqu’aux années 50. Sondheim a un jour dit qu’il n’aimait pas composer des chansons si elles ne s’inséraient pas dans une dynamique dramatique. Ainsi, le final de Merrily, Our Time, pris seul, est une chanson d’espoir : trois jeunes prêts à affronter la vie ensemble et à changer le monde :

«We are the movers, we are the shapers, we are the names in tomorrow’s papers»

Dans la dynamique de l’œuvre, cette chanson arrive en dernier, alors que l’on a vu dès le début les amis devenus des étrangers les uns pour les autres. Dès lors, Our time, devient une chanson poignante.
La musique dénote avec les œuvres précédentes de Sondheim, très marquées musicalement (opérette viennoise pour A little night music ou opéra pour Sweeney Todd) . La tonalité ici est plus «pop», même si je doute que le terme conviendrait au compositeur. Après l’échec sur Broadway de 1981, plusieurs revivals ont été montés. Le CD qui a été enregistré avec l’Original Broadway Cast est, je trouve, relativement inécoutable. Le son est très faible et on a l’impression d’entendre les musiciens et les orchestres à travers un petit tuyau. J’aime beaucoup le revival Off-Broadway de 1994, qui sonne beaucoup comme Rent, de Jonathan Larson, produit sur Broadway 2 ans plus tard. Mes chansons préférées sont Our Time, Old Friends (que Liza reprend régulièrement), Not a day goes by (magnifié par Bernadette Peters dans ses tournées solo) ou la chanson titre.

Merrily we roll along – 1994 Off-Broadway Revival

Gypsy (DVD)

Mon ami pointilliste m’avait prévenu : la version cinéma de la comédie musicale Gypsy n’est pas très bonne. La mise en scène est ultra-pépère. Aucune imagination, rien que du déjà-vu mille fois dans mille autre films. Une erreur impardonnable lorsque l’on a pour sujet l’une des plus grandes comédies musicales du répertoire américain. Autre erreur impardonnable : les actrices ne savent pas chanter. Comme souvent, l’actrice qui avait créé le rôle sur Broadway a été évincée au profit d’une actrice plus habituée aux studios mais moins bonne en chant. Dans ce cas précis, c’est l’actrice Rosalind Russell (formidable dans The Women de Cukor) qui a damé le pion à Ethel Merman. Je ne comprenais pas bien pourquoi la seconde avait déclaré que la place de la première était « dans un chenil » ; après avoir entendu Russell chanter, je comprends mieux. Une horreur. Par bonheur – et par nécessité, celle qui incarne Rose est doublée par une « vraie » chanteuse dans les moments les plus durs. Dès lors que la voix doublée colle étonnament bien avec la voix naturelle de l’actrice, pourquoi ne pas l’avoir doublée entièrement ? Car Rosalind Russell pendant la première minute de Rose’s Turn, c’est insupportable. Natalie Wood, qui incarne Louise, la fille de Rose est absolument inexistante. C’est normal, c’est la principale caractéristique du personnage qu’elle incarne. Le problème, c’est que même lorsqu’elle devient Gypsy Rose Lee, censée être flamboyante, on n’y croit pas une seconde. Et par gentillesse, je ne parlerai pas de ses parties chantées. Bref, ce n’est pas que le film soit si mauvais que cela. En fait, c’est un film moyen. Mais lorsqu’on doit adapter un show écrit par Stephen Sondheim (paroles), Jules Styne (musique, Arthur Laurents (livret) et Jerome Robbins (choréographie et direction), on ne peut pas se contenter de « moyen ». Je n’irai pas toutefois jusqu’à déconseiller le film car il reste utile pour bien comprendre l’histoire de Gypsy (les CDs n’offrent que peu de passages parlés). Mais il ne faut pas en attendre plus.

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Elaine Stritch at Liberty

Comme dit le collègue qui m’a passé le CD, une seule phrase suffit à résumer Elaine Stritch at Liberty : celle que la diva, qui frise alors les 80 ans, prononce elle-même en ouverture de son show, en faisant mine d’être essoufflée :

«Like the prostitute once said : it’s not the work ; it’s the stairs.»

Voilà qui pourrait servir de devise pour toute diva ou meneuse de revue qui se respecte… Dans son spectacle de 2002 , qui a été récompensé par un Tony Award, Elaine Stritch revient sur sa riche carrière. Elle raconte une foule d’anecdotes et bien sûr chante quelques chansons. Les premières concernent des mentors, comme Noël Coward, des collègues, comme Ethel Merman, des amies, comme Judy Garland, des acteurs, comme Richard Burton, ou des amants, comme Ben Gazzara (qu’elle quitta parce qu’elle était tombée sous le charme de… Rock Hudson, passage qui fait beaucoup rire l’assistance, elle la première) ou encore Stephen Sondheim. Ses imitations de Coward, Garland ou Merman sont d’ailleurs à mourir de rire. Les chansons sont tirées des différentes comédies musicales qu’elle a interprétées. Il y a du Noël Coward (le très drôle Why do the wrong people travel ?), du Sondheim bien sûr, avec ses chansons-signatures que sont Broadway baby, I’m still here (de Follies) et surtout The Ladies who lunch (de Company), du Rodgers & Hammerstein et bien d’autres. Pour ce qui est de sa voix, eh bien, Elaine Stritch a toujours eu une voix atypique, abîmée, très marquée par la clope et le whisky. Même si on sent le poids des années sur ses cordes vocales, cela n’a rien à voir avec ce qui est arrivé à Liza Minnelli et que l’on entend sur Liza’s back. Elaine Stritch peut toujours habiter une chanson, Liza, même si condition physique s’est améliorée depuis Liza’s back, n’en est plus guère capable [Note écrite plus tard: J’ai vu Liza Minnelli deux fois en concert après, j’avais tort]. Et puis Elaine, qui doit une partie de sa réputation à ses très longues jambes, a plus d’humour et d’auto-dérision. La comparaison, toutefois, s’arrêtera là. Il n’y a finalement pas grand chose de commun dans leurs carrières respectives. Il existe une version DVD d’Elaine Stritch at Liberty. Je ne l’ai pas encore vue.

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Oh. My. Fucking. God.

Liza with a Z va enfin être édité en DVD !!. Liza with a Z est sans doute le meilleur enregistrement qui existe de Liza Minnelli. En 1972, Liza est fraîchement auréolée du succès de Cabaret, pour lequel elle a reçu l’Oscar de la meilleure actrice. Fred Ebb, son ami et parolier, et Bob Fosse lui concoctent un show spécial pour la télévision intitulé Liza with a Z. La performance est saluée par toute la critique et le show obtient nombre de récompenses. Il sort ensuite en disque. Mais à cause de problèmes de droits, aucune vidéo n’est éditée. Le show devient alors une légende. Car il n’existait que très peu de magnétoscopes à l’époque. Pendant plus de trente ans, seule une cassette a circulé sous le manteau. J’ai lu quelques articles enthousiastes il y a quelques années signés par des journalistes qui racontaient cette expérience unique. J’ai moi-même pu voir quelques images, grâce à e-mule, mais le show entier demeurait introuvable… jusqu’à maintenant. Le Toronto film festival vient en effet de présenter une version «remasterisée» du show. Et un DVD est annoncé. Pas de date pour l’instant.

Torch song trilogy au Vingtième Théâtre

Torch song trilogy n’est pas à proprement parler une comédie musicale, mais ce fut un hit sur Broadway (1.222 performances) et la pièce a raflé le Tony Award 1983 de la meilleure pièce, ainsi que celui du meilleur acteur, pour Harvey Fierstein, donc cela justifie sa présence sur ce blog. La pièce, écrite par Harvey Fierstein, est en fait une succession de trois pièces, qui au final forment une seule pièce en trois actes. Elle se joue en ce moment à Paris, au Vingtième Théâtre, a priori jusqu’au 22 septembre, mais visiblement, les représentations viennent d’être prolongées jusqu’au 30 octobre. Transposer en français une pièce comme celle-ci tenait de la gageure. Le texte est long et complexe. Je n’aime d’ailleurs pas totalement la traduction, qui en rajoute dans les «foutre», «emmerde», «putain», comme pour donner plus de force aux sentiments exprimés, quand le texte original dit les choses de manière plus banale et laisse l’interprétation souligner les mots. L’interprétation est quant à elle une autre paire de manche. Fierstein a écrit la pièce avec un premier rôle à sa (dé)mesure. Arnold Beckhoff est un personnage profondément camp, qui oscille en permance entre le comique et le tragique. L’acteur qui incarne Arnold dans l’adaptation française ne convainc d’ailleurs pas toujours, surtout pour le long monologue introductif (pour sa défense, j’ai vu la deuxième représentation, réputée la pire), mais s’en sort globalement plutôt bien. Les deux autres grands rôles de la pièce sont Ed, qu’Arnold rencontre au début de la pièce (ils se séparent ensuite et reviennent ensemble à la fin) et la mère d’Arnold, figure typique de mère juive. J’ai eu un peu de mal au début à oublier les acteurs du film. L’ Ed du film, Brian Kerwin était un beau trentenaire, très mâle, très américain ; celui de l’adaptation est un français, un peu beauf, pas canon, mais qui assume totalement son personnage (ce qui rend peu crédible le fait qu’il dise travailler «à Brooklyn», alors qu’on le voit plutôt dans la banlieue lilloise). C’est un parti-pris, et je le trouve plutôt réussi. Même chose pour la mère. Autant Anne Bancroft était explosive, autant l’actrice tente de se faire plus nuancée. Assez réussi là aussi. Les deux jeunes acteurs interprétant les rôles d’Alan, le grand amour d’Arnold, et David, son fils adoptifs, font du bon boulot et, comme leurs rôles l’exigent, sont plutôt sexy. Chanceux, d’ailleurs, sont ceux qui ont pu voir un jeune Matthew Broderick dans le rôle de David lors de la création de la pièce Off-Broadway en 1982. C’est grâce à ce rôle que Broderick a été repéré et qu’il a pu mener la carrière que l’on sait. Enfin la partie musicale de la pièce, avec le personnage de Lady Blues, interprété par la drag Charlène Duval est intéressant, même si ses interventions cassent quelque peu le rythme de la pièce dans le premier acte. À noter son adaptation de l’hilarant «I puke», que l’on peut voir dans le film, et qui devient «Je gerbe». Rien à vraiment redire sur la mise en scène. Je m’étonnerai juste de l’omission de deux détails cruciaux par rapport au texte original :

la chute du monologue introductif. Arnold parle de son amant sourd et montre quelques signes, dont celui de «Pas assez». Il enchaîne sur le fait que personne ne l’ait véritablement aimé. Il se fait soudain assez grave et dit que cela le touche. Puis il termine en disant «Pas assez», et fait le geste qui correspond à l’expression. Le «not enough» est essentiel, car il montre l’essence même d’Arnold, le camp. Oui, j’ai été malheureux en amour, mais ça ne m’empêche pas de vivre, car je suis fabuleux. Avec cet oubli, on reste sur un aspect tragique simpliste du personnage.
Ensuite, la dédicace d’un morceau à la radio par Alan pour Arnold n’est pas montrée. Alors que la fin de la pièce est justement un rappel de cette scène, avec David qui dédicace un morceau pour Arnold. Arnold mentionne la scène oralement à David (qui dans la pièce originale lui fait comprendre qu’il a entendu cette histoire 1.000 fois et que ça le saoûle) et finalement, la fin de la pièce perd légèrement en force. Le rappel est moins évident, la filiation entre l’amour d’Alan et celui de David est moins évidente.

Au final, l’adaptation, même si elle est perfectible, est plutôt réussie et vaut le détour. Ma scène préférée : celle où David explique à Arnold qu’il aime la manière dont il le materne, mais qu’il refuse de servir d’excuse au peu d’empressement de ce dernier à refaire sa vie.

Sondheim – A celebration at Carnegie Hall (1992 Cast)

Voici un concert exceptionnel à tous points de vue. Le cast est, selon le terme consacré, «stellar». Liza Minnelli, Betty Buckley, Bernadette Peters, Patti LuPone, Glenn Close, le gotha des divas a répondu présent pour ce concert de charité au profit de la lutte contre le sida. Côté hommes, le casting est moins impressionnant, mais rien à dire côté efficacité (j’aime beaucoup Victor Garber, notamment). La set-list fait dans l’artillerie lourde et pioche dans toutes les œuvres de Sondheim – uniquement celles dont il a composé musique et paroles – de A funny thing happened on the way to the forum à Assassins, alors sa dernière œuvre en date (depuis il y a eu Passion et Bounce). Rien de Gypsy (musique Jules Styne) ou West Side Story (musique Bernstein), donc. Ce qui fait la qualité de ce concert, c’est l’intelligence de l’interprétation. Certains titres sont exécutés de manière classique mais efficace (le définitif Send in the clowns par Glenn Close), d’autres sont réinventés, ou même combinés (le dément Losing my mind / You could drive a person crazy, par Dorothy Loudon, l’un des meilleurs moments, sans conteste). Le maître fait même une apparition à la fin du concert, alors que Liza chante Old Friends. Il évoque Carnegie Hall, «The Cathedral» et introduit la dernière chanson de la soirée, Sunday, tirée de Sunday in the Park with George. Seule fausse note de la soirée, la présentation pachydermique de Bill Irwin.
Il existe un DVD de ce concert. Ce dernier est malheureusement un «highlights». Seul le CD offre une set-list complète. Il vaut malgré tout largement le détour. Il manque finalement assez peu de numéros. Et l’aspect visuel apporte énormément, que ce soit pour la gestuelle hilarante de Dorothy Loudon, Madeline Kahn en robe de mariée ou la chorégraphie d’une Liza encore en pleine forme.

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